Intervista a Martino Gamper: meglio sottrarre piuttosto che aggiungere 

A volte il prototipo diventa l’oggetto finito – spesso realizzo oggetti che restano pezzi unici, fermi a quello stato iniziale. Tagli, rocce, angoli, il design secondo Martino Gamper nell’intervista per Lampoon 30

Il processo creativo di Martino Gamper nell’intervista per Lampoon

Inizio analizzando dove si trova la roccia, la sua posizione geografica, comprendendone il tipo e l’età e come è arrivata fin lì. Mi chiedo se voglio spostarla o lasciarla dov’è. Queste rocce sono grezze, non lavorate, non ancora trasformate in materiale da costruzione. Esistono per puro caso, cariche di potenziale: possono essere frantumate, raffinate e arricchite di storie. Sono ruvide e allo stato naturale.

Creo un quadro concettuale attorno alla roccia. Storie e narrazioni sono essenziali per trasformarla e spostarla. In genere, lavoro con un concetto generale che mi dia libertà. Per esempio, se dovessi creare una storia unica per ogni singola sedia, sarebbe un processo schiacciante. Ma avere una direzione chiara — come nel progetto delle 100 sedie — mi evita di perdermi. Imporre dei limiti, come realizzare una sedia al giorno, mi libera paradossalmente. Definisce il mio percorso e mi permette di essere creativo entro quei confini. Lo stesso approccio vale quando affronto l’asprezza: stabilisco un obiettivo o una tabella di marcia, e una volta definita, sono libero di sperimentare.

Quando tagli una roccia, puoi dividerla in due parti, creando nuovi oggetti. Oppure puoi rimuovere ciò che è superfluo, aprendo nuove possibilità. Istintivamente immagino di eliminare angoli o frammenti: il taglio diventa uno strumento utile. Preferisco togliere materiale anziché aggiungerlo. Questo processo può portare anche a dei collage, perché il taglio di oggetti diversi spesso implica unirli in modi inaspettati.

Una volta effettuato il taglio, riveli una superficie artificiale in contrasto con quella grezza e naturale. Questo atto di tagliare svela nuove opportunità, rivelando qualcosa di nascosto all’interno della roccia. Tagliare significa scoprire. Dopo il taglio arriva la lucidatura, una fase successiva del processo — la lucidatura è il risultato del taglio. Svelando una nuova superficie, potresti poi volerla levigare e rifinire. È anche una posizione teorica: ridurre la complessità e isolare le parti fondamentali.

Il progetto “100 Sedie in 100 Giorni” in conversazione con Martino Gamper

Una volta che inizio a pensare a un progetto, non riesco a fermarmi. Il progetto “100 Sedie in 100 Giorni” è stato una forma di ricerca, un modo per esplorare il concetto di sedia e cosa significhi disegnarne una. Allo stesso modo, con il progetto dei ganci Hookaloti, volevo sperimentare con diversi materiali, processi e strumenti. Una volta che mi immergo in un progetto, può diventare un’ossessione. Come designer, stiamo sempre reinventando la ruota, ma io preferisco immergermi completamente in un progetto e poi fare un passo indietro, invece di soffermarmi su di esso troppo a lungo.

A volte il prototipo diventa l’oggetto finito, o quantomeno li tratto entrambi allo stesso modo. I prototipi fanno parte del processo di pensiero e del lavoro in corso — sono tutti parte della stessa conversazione. Spesso realizzo oggetti che restano pezzi unici, fermi a quello stato iniziale. Tuttavia, potrei tornarci sopra per affinarli in seguito.

All’inizio c’è un abbozzo grezzo. Dopo averne risolto i problemi, potrei rivederlo e affinarlo ulteriormente. Nella mia pratica, i prototipi spesso hanno lo stesso valore dei pezzi finiti.

Il prototipo di solito è la prima cosa che realizzo e nasce in fretta, senza essere troppo meticoloso — e questo è liberatorio. Il primo tentativo serve a far funzionare l’oggetto, mentre il secondo passaggio è più incentrato sulla rifinitura, magari persino lucidarlo come forma di decorazione. È un percorso, un viaggio con quattro fasi chiave.

La prima è la localizzazione: geograficamente, dove sto lavorando? Potrebbe essere un Paese, una regione più piccola o persino una città specifica. La seconda fase è lo spazio — considerare l’architettura o il contesto spaziale: il progetto è all’interno o all’esterno? Qual è la storia di quello spazio? Poi ci sono le persone coinvolte: chi utilizza o interagisce con il progetto? Da queste riflessioni ricavo ciò che chiamo “comportamento”: in che modo il mio intervento influenza le interazioni, e come si inseriscono strumenti e materiali?

Queste fasi non seguono un ordine rigido. Potrei iniziare dalla fase del comportamento, come ho fatto con il progetto Sitzung alla Haus der Kunst di Monaco, incentrato sul sedersi e sull’incontrarsi. Da lì il progetto si è sviluppato considerando persone, luogo e architettura. Mi muovo tra questi quattro elementi, ognuno dei quali informa il risultato finale.

Piggybacking – il valore delle collaborazioni per Martino Gamper

Mi piace l’idea del “piggybacking”: la collaborazione è qualcosa che apprezzo perché è più divertente lavorare con gli altri che fare tutto da soli. Che creiamo per noi stessi o per gli altri, abbiamo sempre a che fare con persone, e le conversazioni diventano momenti di apprendimento. Partendo da un’idea grezza, la definiamo e la affiniamo insieme, raggiungendo chiarezza e concretezza grazie alla collaborazione.

La collaborazione, come la ruvidità, può essere stimolante. C’è una sorta di vibrazione quando l’energia fluisce in modo armonioso, creando sinergia e fiducia. Se manca la fiducia, tutto sembra tagliente e spigoloso — non solo grezzo, ma abrasivo. Tuttavia, quando posso condividere qualcosa con qualcuno, anche se è ancora grezzo, almeno non fa male a nessuno.

Il processo spesso inizia quando cerco o mi imbatto in mobili. Gli oggetti nascono come bozze, idee approssimative, ma dopo aver trascorso del tempo con loro, capisco come possano integrarsi. Ogni oggetto ha una propria personalità, definita dal suo creatore, e io creo narrazioni, assegnando ruoli a ciascun pezzo. Tagliare e modellare gli oggetti mi aiuta a sviluppare una trama.

La ruvidità deriva anche dal non sapere abbastanza. Quando trovo una sedia o un mobile che mi piace esteticamente, ma di cui non so molto, lo studio. La ruvidità, in questo senso, è la condizione prima di scoprire la storia o il passato di un oggetto.

Equilibrio tra serietà e leggerezza nella visione di Martino Gamper

Quando diventiamo troppo seri, perdiamo il senso di leggerezza. Le migliori battute sono semplici e dirette: se diventano troppo elaborate, perdono il loro fascino. La chiarezza rende le cose intriganti e divertenti, e mi ricorda di mantenerle leggere. È importante non prendere le cose troppo sul serio, ma neanche essere superficiali — si tratta di trovare il giusto equilibrio.

Lo stesso vale per la ruvidità: si tratta di capire quando lasciare qualcosa com’è e quando invece raffinarla perché è ancora troppo grezza o abrasiva. Stavo lavorando per un noto marchio di moda, guidato da due forti personalità, e il progetto riguardava lo spazio. Il tema erano gli angoli, qualcosa che avevo esplorato durante la mia tesi al Royal College of Art, concentrandomi su entità spaziali che mi hanno sempre affascinato.

Una volta definiti i tipi di angoli su cui lavorare, la sfida è stata creare il mio angolo che potesse convivere con il mondo di Prada. Mentre gli angoli erano il mio fulcro, ero particolarmente interessato alla prospettiva e alla distorsione — come creare spazi che sembrino profondi ma in realtà siano poco profondi. L’allestimento delle vetrine, spesso considerato superficiale, è diventato per me un’opportunità per realizzare uno spazio con una propria identità. L’operazione in sé è stata ruvida nell’approccio, affrontando di petto la piattezza della vetrina.

Vienna: cosa si nasconde sotto la superficie di città elegante e perfetta?

Vienna è sempre stata vista come una città borghese, elegante, con un’alta qualità della vita, dove tutto sembra funzionare a meraviglia. In superficie, appare perfetta. Ma, come in ogni società, esiste un sottosuolo. Artisti e altri da tempo resistono a quella sensazione di perfezione viennese, cercando di romperla e ritagliarsi il proprio spazio.

Vienna ha dato i natali all’Azionismo, uno dei movimenti più provocatori e crudi dell’arte europea. Sotto la sua superficie raffinata, la città nasconde un lato decadente. Da studente ho visitato luoghi che mi sembravano perfino più aspri di posti notoriamente duri altrove, perché qui le persone si opponevano attivamente all’ordine borghese. A Vienna sembra che nulla resti indiscusso. Le conversazioni hanno sempre un “ma” — una tendenza a mettere in discussione e a resistere, che plasma gli atteggiamenti e i comportamenti della città.

Trattoria al Cappello: spirito europeo e amore per il cibo secondo Martino Gamper

Insieme ai miei amici Maki Suzuki, Kajsa Stahl e Alex Rich, condividevamo l’amore per la cucina e il cibo, ma con una sensibilità decisamente europea. A Londra, in quel periodo, non riuscivamo a trovare nulla del genere — né nei ristoranti né altrove. Se un locale aveva l’atmosfera giusta, era troppo costoso per le nostre tasche. Così abbiamo deciso di crearlo noi stessi, uno spazio che non fosse solo cibo ma anche convivialità e condivisione. Abbiamo portato noi le persone, il cibo e tutto il resto.

Era tutto improvvisato e grezzo: abbiamo trovato un bar chiamato Hat on Wall, che ci ha ispirato il nome Trattoria al Cappello. Abbiamo portato mobili, sedie — era tutto estemporaneo. La cucina era assemblata in fretta, il menu creato sul momento. Nulla era rifinito, il concetto di pop-up o il ripensare il modo in cui viviamo il cibo non era diffuso.

Il nostro obiettivo era portare l’esperienza culinaria fuori dal suo contesto abituale — al di là del ristorante o della trattoria tradizionale. Non si trattava solo di cibo, ma di far incontrare le persone. Volevamo conoscere gente nuova e permettere a loro di conoscere noi. Abbiamo sperimentato con il cibo, io ho condiviso i miei progetti di arredo, e altri designer hanno presentato i loro lavori di grafica e comunicazione. Era tutto un po’ grezzo, niente di lucido o rifinito. Era una raccolta di elementi allo stato puro, non finiti, che si univano per creare qualcosa di spontaneo, sospeso e ricco di possibilità.

Carlo Mazzeri