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ISSUE NO. 31
Poco prima di una pre-proiezione di Queer al MUBI Fest di Milano del 2024, sullo schermo appare un grande video in cui Luca Guadagnino si scusa di non poter essere presente all’evento. Mentre il regista racconta con slancio poetico la sua esperienza sul film, menziona che il suo prezioso collaboratore, il production designer Stefano Baisi, è in sala quella sera.
Qualche giorno dopo, in un caffè affollato della Chinatown milanese, Lampoon ha incontrato per questa intervista Stefano Baisi. Riferendosi alla proiezione. Mentre racconta i suoi viaggi alla scoperta dei luoghi di William S. Burroughs e Jack Kerouac a Città del Messico, gli incontri con l’universo burroughsiano e la collaborazione con l’artista di miniature di Wes Anderson, Baisi svela i meccanismi interni del mondo dietro lo schermo.
Nella sua più recente prova di adattamento letterario – Queer – Luca Guadagnino prende la storia ruvida di William Lee e fa qualcosa di inaspettato. Il regista di Challengers e Chiamami col tuo nome sceglie di non concentrarsi sul richiamo edonistico della Beat Generation, ma sul desiderio d’amore che muove i personaggi. In questa intervista, Lampoon parla con il production designer Stefano Baisi.
A proposito delle prime fasi di produzione, Stefano Baisi osserva: «Il nostro responsabile della ricerca, Ben Panzeca, ci ha aiutato a scoprire i diari che Burroughs aveva scritto alla fine della sua vita. Tre giorni prima di morire, il suo ultimo testo si conclude con la parola ‘love’. Partendo da quelle ultime parole, abbiamo capito che Burroughs era un uomo che amava. Tutti i mondi fantastici che creava, che inizialmente sembravano freddi, in realtà erano anche intrisi di emozioni. Questo ci ha spinto a riflettere, nella scenografia, sui momenti in cui Burroughs cercava di esplorare i sentimenti tra Allerton [Drew Starkey] e William Lee [Daniel Craig]».
Considerando che la figura di Lee è ormai nota come alter ego romanzesco di Burroughs, si può anche dire che Queer non sia soltanto un romanzo, ma uno scorcio della vita reale dell’autore, raccontato attraverso la sua voce semi-autobiografica. Il film non tenta solo di ricostruire il libro, ma di creare un’opera che parli in modo più ampio della vita e della carriera di William S. Burroughs.
«Ho conosciuto Luca Guadagnino nel 2017» racconta Baisi. «Un mio amico, fotografo e architetto, ci ha presentati. Ho incontrato Luca per la prima volta in un pomeriggio a Crema, dove lui abitava allora. È la città dove ha girato Chiamami col tuo nome. Abbiamo parlato di una scala da realizzare per un negozio su cui stava lavorando e, dopo un po’, sono entrato a far parte del suo studio [come architetto e designer].
A un certo punto, Luca mi ha chiesto di occuparmi della scenografia di Queer. È stata una proposta inaspettata. Non avrei mai accettato un incarico del genere, non avendo alcuna esperienza, da chiunque altro. Vista la fiducia reciproca che ci lega, ho pensato che valesse la pena provare. Questa esperienza è stata una sorta di master accelerato sulle tecniche e i linguaggi del cinema».
Leggendo il testo del 1985 di Burroughs, l’opera si apre descrivendo bordelli, la fuga da accuse di possesso di droga negli Stati Uniti e combattimenti di galli. È un racconto crudo, che parla di un mondo ben lontano da quello più sognante portato in scena da Baisi e Guadagnino. Quando gli si chiede di questa discrepanza tra il testo e il film, Baisi sorride: «Quando ho letto il libro, ho immaginato qualcosa di diverso: ambienti cupi e una Città del Messico che sembrava una versione dell’Inferno. Dopo le mie conversazioni con Luca, il film nasce di più dall’interpretazione che diamo della lettura stessa. Anche se è un capolavoro, Luca sentiva la necessità di distaccarsi da ciò che ha fatto Cronenberg in Il pasto nudo».
«Abbiamo cercato di rappresentare nella scenografia quei momenti in cui immaginiamo che Burroughs abbia sentito il bisogno di esplorare i sentimenti tra le persone. Abbiamo deciso di usare colori al neon per i momenti che non esistevano nella realtà storica. I colori segnano i passaggi derivati dalle alterazioni dovute alle droghe che Lee assumeva. Questo ha conferito alla scenografia una sorta di paesaggio onirico».
Durante la lavorazione del film, Baisi si è ritrovato in diverse parti del mondo, cercando i riferimenti letterari di Burroughs nei Paesi che hanno fatto da sfondo alla sua vita. Parlando della creazione della Città del Messico di Queer all’interno degli studi di Cinecittà a Roma, dice: «Sappiamo con certezza che il Rathskeller Bar non è mai esistito realmente a Città del Messico. Nel libro ci sono tanti riferimenti al passato di Burroughs: si tratta di descrizioni della città, ma anche di frammenti di luoghi come Vienna, St. Louis e New York».
«Nel libro, il Rathskeller Bar è descritto come un locale in Alto Adige [tra l’Austria e il Nord Italia], con un legno tarlato e decorazioni come teste di cervo impagliate. Oltre al libro e alla sceneggiatura, ho avuto l’opportunità di ricercare la vita precedente di Burroughs prima che fuggisse negli Stati Uniti per rifugiarsi in Messico».
Fuggendo dall’America, Burroughs si ritrovò a Città del Messico insieme a vari altri scrittori della Beat Generation, alla ricerca di una via di fuga nei bar e nelle notti di eccessi. Quando lo spettatore vede per la prima volta l’appartamento di Lee, immerso in una luce giallastra e inquieta, è facile percepire un ambiente allo stesso tempo metodico e caotico, dove uno scrittore combatte contro la dipendenza.
«Ognuno ha un suo “ordine nel disordine”» commenta Baisi, riferendosi alle pile di libri, al materiale per drogarsi e ai piccoli oggetti disseminati ovunque. «Abbiamo lavorato insieme al prop master, Matt Marks, per creare quello spazio. Come per il resto del film, ci siamo basati su un minuzioso lavoro di ricerca su “Chi era Burroughs?” e sul significato delle sue foto storiche».
«Abbiamo una fotografia dell’ingresso di casa Burroughs, quindi l’abbiamo ricostruita. Il resto è ispirato a ciò che ho visto durante un viaggio di sopralluogo a Città del Messico. Siamo andati all’indirizzo dove Burroughs viveva e abbiamo scoperto che l’edificio era crollato durante il terremoto del 1985. Tuttavia, siamo riusciti a entrare nella casa dall’altro lato della strada, sapendo che Kerouac aveva vissuto lì. Siamo entrati e, così, le finestre della casa sul set sono ispirate a quell’edificio.
La scenografia è stata un’analisi della profondità dell’universo di Burroughs. L’appartamento è frutto di fantasia. Alcune parti sono accurate dal punto di vista della storia di Burroughs, altre no, perché il film non vuole essere una ricostruzione precisa della sua realtà».
In un altro viaggio di ricerca, questa volta in Ecuador, Stefano Baisi ha seguito le tracce di Lee e Allerton attraverso Puyo, Shell Mera e Quito. Racconta di aver trovato ben poco sul lascito dell’estrazione petrolifera di Shell: «Abbiamo trovato qualche foto degli insediamenti, ma nient’altro. Ciò che rimaneva delle installazioni Shell a Puyo era diventato un aeroporto. Poi era stato acquisito dallo Stato, ma come prevedibile, era un disastro».
Parlando della storia della compagnia petrolifera nella regione, a metà del XX secolo, continua: «Hanno abbattuto alberi, cercato petrolio, avuto conflitti con le comunità locali. Quando si sono accorti che la terra non avrebbe dato un ritorno economico, hanno abbandonato tutto in fretta. L’idea era di lasciare una traccia di quel passaggio. Non abbiamo citato Shell in modo diretto, perché non era il focus del film. Così abbiamo trasformato il marchio Shell in quello della compagnia “Annexia”».
La compagnia fittizia Annexia, creata apposta per il film, fa riferimento alla conchiglia spondylus, che nelle civiltà precolombiane dell’America Latina veniva usata come forma di valuta. Baisi scherza: «È una conchiglia assurda, quasi aliena, che abbiamo usato al posto del marchio Shell. Un pomeriggio, in un weekend in cui cercavo di riposarmi, mi sono messo a studiare i vari loghi Shell dagli anni Quaranta, Cinquanta e Sessanta, e ho realizzato quello di Annexia».
Per gli spettatori più attenti, il logo compare nel laboratorio del dottor Cotter e su un muro in una strada di Quito.
Lo scorrere del tempo nello Ship Ahoy: un pittore fiammingo contemporaneo, Michaël Borremans
Ogni bar crea un’atmosfera che fa da cornice alle interazioni di Lee con il mondo e racchiude la tensione del dopoguerra in cui vive Lee, appena tornato dal fronte. «Alcuni citano Nighthawks di Edward Hopper, ma in realtà non è mai stato un riferimento diretto per Ship Ahoy. Tuttavia, può esserci una qualche eco inconscia di un immaginario americano di quell’epoca».
Baisi descrive i primi giorni di progettazione dei set, quando lavorava a stretto contatto con Guadagnino. Il lavoro del pittore fiammingo contemporaneo Michaël Borremans, che appare anche nel film nel ruolo del medico di Lee a Quito, influenza gran parte della componente visiva del film – ma ci sono riferimenti anche all’età d’oro di Hollywood (dagli anni Venti ai Sessanta), a diversi autori cinematografici e a oggetti di scena del periodo.
«Studiando la vita di Burroughs, mi sono imbattuto in un’immagine del dopoguerra: il transatlantico SS Normandie capovolto su un molo di New York. Durante la guerra era stato riadattato a scopi militari. Durante i lavori di ripristino in seguito a un incendio, qualcuno scattò questa foto poetica della nave riversa su un fianco. È diventata l’ispirazione per lo Ship Ahoy».
«Inoltre, alla fine del film, c’è un dialogo tra Joe Guidry e William Lee, in cui riflettono su chi ha lasciato Città del Messico. Per marcare il passare del tempo, abbiamo modificato alcuni colori e dettagli nella scenografia. Abbiamo aggiunto un tavolo da biliardo, cambiato il colore dei cuscini nei salottini e persino il colore delle pareti, ma non le loro linee gialle».
Nel film, mentre il sole sorge e tramonta sui vari momenti della vita di William Lee, è possibile notare uno scarto stilistico: lo spettatore passa dalla visione degli attori su un set a una prospettiva dall’alto sul loro mondo. Questo effetto visivo è dovuto in parte a Simon Weisse, creatore di miniature celebre per il suo lavoro con Wes Anderson.
Per garantire fluidità tra set e miniature, Baisi racconta che la produzione «ha invitato Weisse a Cinecittà durante le riprese, in modo che ogni texture e ogni materiale dei set reali venisse riprodotto anche nelle miniature. Spero che, anche se sono false, il pubblico percepisca continuità. D’altronde, volevamo che questa finzione fosse visibile allo spettatore. Abbiamo realizzato molte più miniature di quante se ne vedano nel montaggio finale».
Le miniature di Simon Weisse: attraverso la finestra di un minuscolo hotel, Lee osserva la sua vita
Il film si conclude con Daniel Craig che guarda dentro una delle miniature di Weisse: una versione dell’hotel economico dove Lee porta i suoi amanti. In quel momento, con Daniel Craig che sovrasta l’edificio in miniatura illuminato, posato su un tavolo, l’ultima scena dissolve il confine tra realtà e costruzione di una storia cruda, a tratti perfino crudele.
«Siamo in un mondo onirico» dice Baisi a proposito del film «e questo hotel in miniatura è come un sogno dentro al sogno. Luca l’ha definito una sorta di “mise-en-abîme”, un riferimento al concetto francese di mise-en-scène, o uno sguardo dentro il vuoto del subconscio dei personaggi. Diciamo che un sogno è il luogo inconscio in cui tutte le implicazioni della nostra vita reale affiorano.
Lee che guarda l’hotel nasce dall’idea che Burroughs stia tornando a osservare la sua stessa vita, a rivedersi con gli occhi del mondo. Anche se all’inizio si trova nel corridoio di un hotel di Città del Messico, finisce in una stanza che in realtà è l’appartamento di Burroughs a New York, dove ebbe le prime esperienze romantiche e le prime delusioni d’amore. Lì fa i conti con il senso delle tragedie che l’hanno condotto a quel punto.
È una riflessione sul passare della vita. Per il resto, dovreste chiedere direttamente a Luca per avere il quadro completo».
Stefano Baisi è un architetto e designer con base a Milano. Prima di lavorare come production designer in Queer, ha collaborato con il regista nel suo studio di progettazione d’interni, Studio Luca Guadagnino.
Diretto da Luca Guadagnino, Queer è stato distribuito da A24 a novembre 2024. Le scenografie sono di Stefano Baisi e i costumi di Jonathan W. Anderson. Interpretato da Drew Starkey e Daniel Craig, il film è l’adattamento del romanzo omonimo di William S. Burroughs del 1985. L’uscita nelle sale italiane è prevista per febbraio 2025.
ISSUE NO. 31
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